Sehen lässt sich nicht lehren — John McDermott im Gespräch

Q Wann war dir klar, dass du von der Fotografie leben kannst und was hat dir den Mut gegeben, alles darauf zu setzen?

Ich habe relativ spät angefangen, als Fotograf zu arbeiten. Am Anfang habe ich als Stringer für die Nachrichtenagenturen UPI und AP gearbeitet und gelegentlich kleine kommerzielle Jobs in San Francisco gemacht. Dann kam diese sehr große Geschichte, der Strafprozess gegen Patricia Hearst, die reiche Zeitungserbin, die von einer radikalen revolutionären Gruppe entführt worden war, der sie sich schließlich anschloss und mit der sie an bewaffneten Banküberfällen beteiligt war. Die Geschichte und der Prozess faszinierten das ganze Land.

Ich begann, über den Prozess zu berichten, zusammen mit allen anderen in der Stadt. Große Magazine und Zeitungen schickten Fotografen aus dem ganzen Land und sogar aus Europa. Ich reichte ein paar Bilder von Patty Hearsts Mutter mit ihrem berühmten Anwalt F. Lee Bailey bei Time Magazine ein und ein Bild der beiden, wie sie gemeinsam die Straße entlanggehen und sehr glücklich aussehen, wurde ausgewählt und erschien in der Woche darauf groß.

Danach bekam ich Aufträge von Time. Ich hatte mich mit dem Anwalt Bailey und seinem Team angefreundet und bekam einen exklusiven Zugang zu ihnen. Das sprach sich irgendwann herum. Etwa eine Woche später bekam ich einen Anruf von Newsweek. Sie wollten mich engagieren, damit ich für die Dauer des Prozesses jeden Tag fotografiere. Ich nahm natürlich an. Als die beiden größten Magazine des Landes um meine Dienste konkurrierten, fing ich an zu glauben, dass man davon leben kann. Mit beiden Magazinen entwickelten sich gute, langfristige Beziehungen, und es kamen auch viele andere Aufträge und neue Kunden dazu, wie Sports Illustrated. Ich fand sogar Kunden in Deutschland wie Stern, Bunte und Geo, die alle Büros in New York hatten, wo ich vorbeiging und meine Arbeit zeigte.

All das ging überraschend schnell. Magazinfotografie war damals eine andere und sehr aufregende Welt, die sich aber stark verändert hat und heute kleiner geworden ist. Ich war immer zuversichtlich, was meine Fähigkeiten anging, vielleicht weil ich schon älter war, als ich anfing, und in anderen Tätigkeiten bereits erfolgreich gewesen war. Ich wusste nur nicht, wie der Weg zur Fotografie aussehen könnte. Aber der Weg hat mich in gewisser Weise irgendwann gefunden.

Q Woher kommt dein Blick? Warum zeigst du die Welt so, wie du sie zeigst und nicht anders?

Oh, was für eine Frage. Warum werden manche Menschen als Linkshänder geboren oder mit roten Haaren? Oder mit natürlichem sportlichem Talent oder einer Begabung für Musik oder Sprachen? Ich vermute, ich wurde mit einer kleinen Gabe zur Beobachtung und einem angeborenen Sinn für Gestaltung geboren. Nicht, dass mir das bis viel später in meinem Leben bewusst gewesen wäre. Jedenfalls sind Schauen und Sehen und eine tiefe Neugier Dinge, die schon immer Teil dessen waren, wer ich bin, lange bevor ich je eine Kamera hatte.

Es ist viel Arbeit in die Entwicklung meines Blicks geflossen, und er entwickelt sich weiter. Das Lernen hört nie auf. Viel Wertschätzung für die Arbeit anderer Fotografen, einiger großartiger Filmemacher und natürlich von Malern. Viel Schauen und Aufmerksamkeit. Und Zuhören.

Q Welcher Fotograf hat dich am meisten geprägt?

Die Antwort auf diese Frage wäre Jay Maisel, der vor ein paar Wochen im Alter von 95 Jahren gestorben ist. Jay war sowohl ein Mentor, der mir geholfen und mich inspiriert hat, als auch ein sehr lieber Freund. Sein Mantra „Light, Color, Gesture“ und seine reine Liebe zum Sehen und zum Fotografieren begleiten mich immer.

Q Was macht für dich ein gutes Foto aus, wenn Technik und Ausführung stimmen? Woran merkst du bei deinen eigenen Bildern: Das ist es?

Man erkennt es, wenn man es sieht. Entschuldige, dass ich so ungenau bin. Aber es ist mehr als alles andere ein Gefühl, eine emotionale Reaktion, wie ein Blitz, der einen für einen Moment innehalten lässt, weil das, was man sieht, besonders ist, vielleicht sogar etwas, das man noch nie gesehen hat. Es ist eines der besten Gefühle, die man haben kann. Ich würde es mit dem vergleichen, was man nach einem Killerpass oder einem großartigen Tor in einem Fußballspiel empfindet.

Q Beim Sport oder bei der Street-Fotografie entscheidet ein Sekundenbruchteil, bei Architektur steht alles still. Wie viel eines guten Fotos entsteht durch Planung und wie viel dadurch, im richtigen Moment richtig zu reagieren?

Recherche und Planung sind bei jedem Auftrag unverzichtbar. Sie gehören zum Profi-Sein. Sie helfen, Fehler zu vermeiden und nicht zu wiederholen, was andere schon vorher getan haben. Sie geben einem eine Grundlage, einen Ausgangspunkt, unabhängig vom Motiv. Aber nach meiner Erfahrung geschieht die wahre Magie erst, wenn man seinen ganz eigenen Blick und sein tiefes Archiv an gelebter Erfahrung und erarbeitetem Wissen mitbringt, und wenn man Zeit und Raum lässt für das Unvorhersehbare, für den Zufall, der entsteht, wenn man mit dem Motiv in Kontakt tritt. Geh immer mit einem Plan hinein, der das Problem löst. Aber sei immer spontan und offen dafür, über den Plan hinauszugehen oder von ihm abzuweichen, oder ihn ganz zu verwerfen, wenn dich die Inspiration in eine andere Richtung bewegt.

Natürlich kommt es vor, dass das Motiv oder der Kunde deinen Plan ablehnt, wenn man auftaucht. Deshalb ist es wichtig, andere mögliche Lösungen im Kopf zu haben, für alle Fälle. Einer der Gründe, warum ich die Straßenfotografie immer geliebt habe, ist, dass man nicht immer einen Plan braucht, es ist sogar besser, keinen zu haben. Geh einfach raus, beobachte mit allen Sinnen, fotografiere und berichte zurück.

Q Für Auftraggeber wie die FIFA oder Unternehmen fotografierst du mit einem klaren Briefing. Wo endet der Auftrag und wo beginnt deine eigene Handschrift?

Alles, was ich tue, ist für mich persönliche Arbeit. Bei einem Auftrag folge ich dem Briefing, aber ich versuche, etwas in den Job einzubringen, das die Leute überrascht. Ich möchte, dass das Ergebnis nicht nur das Problem löst, sondern darüber hinausgeht und auch meine persönliche Art zu sehen und zu arbeiten widerspiegelt. Meine eigenen Erwartungen sind immer sehr hoch. Ich glaube, wenn ich sie erfülle, werde ich hoffentlich die Erwartungen des Kunden mehr als erfüllen.

Q Du hast Fotografie vor allem durchs Fotografieren gelernt. Was kann man anderen beibringen, und was muss jeder selbst herausfinden?

Man kann grundlegende technische Dinge beibringen, etwa wie man eine Kamera bedient und wie man Licht einsetzt. Aber man kann niemandem beibringen, wie man sieht. Man kann nur eine Richtung weisen und Beispiele anbieten, die eigene Arbeit und die anderer Fotografen, und die Leute ermutigen, immer neugierig zu bleiben, tiefer zu graben, zu experimentieren und keine Angst vor dem Scheitern zu haben, immer und immer wieder. Und Inspiration in der Arbeit anderer zu suchen, die sie bewundern.

Vor allem sollte man sie dazu drängen, so viel zu fotografieren, wie sie können, und kritisch gegenüber ihrer Arbeit zu sein. Wenn du nicht dein eigener strengster Kritiker bist, wirst du dein eigener schlimmster Feind. Erfahrung ist immer der beste Lehrer. Je öfter man etwas tut, desto größer sind die Chancen, darin gut zu werden.

Q Früher war Fotografie viel Handarbeit: Belichtung, Schärfe, Film, Labor, und Redaktionen entschieden, wer gesehen wurde. Heute hat jeder eine gute, weitgehend automatische Kamera in der Hosentasche und kann seine Bilder selbst veröffentlichen. Ist es dadurch leichter geworden, Fotograf zu werden, oder nur schwerer, als Fotograf wahrgenommen zu werden?

Beides. Sagen wir, die Einstiegshürde ist praktisch beseitigt. Sportfotografie ist dafür ein gutes Beispiel. Sie war früher eine hochgeschätzte Spezialität, weil sie eine seltene Fähigkeit war, etwas sehr Schwieriges, das lange dauerte, bis man es wirklich gut konnte. Es gab nicht sehr viele großartige Sportfotografen auf der ganzen Welt. Ein ehemaliger Kommunikationsdirektor der FIFA sagte mir einmal, er glaube, es gebe weniger als zwanzig Fotografen auf der ganzen Welt, die Fußball wirklich gut fotografieren können. Inzwischen hat die Sportfotografie ihren redaktionellen Marktwert weitgehend verloren, weil Autofokus und digitale Kamera- und Objektivtechnik es nahezu jedem möglich machen, Arbeit zu liefern, die „gut genug“ ist, wenn auch nicht unbedingt großartig.

Also ja, es ist heute sehr viel schwerer, wahrgenommen zu werden, und noch schwerer, für die Qualität seiner Arbeit wirtschaftlich belohnt zu werden. Aber Qualität zählt auf höchstem Niveau weiterhin und hoffentlich werden die Besten weiter anerkannt und belohnt, auch wenn das Feld der Fotografie jetzt viel überfüllter ist.

Q KI kann heute Bilder erzeugen, für die es keine Kamera mehr braucht. Was bleibt der Fotografie?

KI kann Bilder erzeugen. Aber das sind keine Fotografien. Es sind Simulationen, Dinge, die nie passiert sind. Auch wenn manche davon sehr überzeugend sein können, sind sie nicht real. Eine Fotografie ist das Produkt eines tatsächlichen Menschen, der schaut, fühlt, reagiert und einen Bildausschnitt wählt. Alles Dinge, die KI nicht kann. Ich glaube, dass Menschen weiterhin lieber Realität in den Fotografien sehen, die sie betrachten, und dass sie den Unterschied erkennen und zu schätzen wissen.

Aber die wirtschaftliche Zukunft der Fotografie sieht sicherlich herausfordernd aus, mit Zeitungen und Magazinen, die so große Schwierigkeiten haben, und mit kommerziellen und Werbekunden, die nach der günstigsten Lösung suchen, die KI zu liefern verspricht. Am Ende setze ich aber weiterhin mein Vertrauen in die menschliche Lösung.

Q Wenn du heute zwanzig wärst: Würdest du noch einmal alles auf die Fotografie setzen?

Ich würde weiterhin fotografieren, aber ich würde wahrscheinlich versuchen, Kameramann oder Filmregisseur zu werden. Einige meiner Lieblingsfilmemacher, Leute wie Wim Wenders, Stanley Kubrick und Roger Deakins, waren auch sehr ernsthafte und versierte Fotografen. Andererseits könnte ich auch etwas ganz anderes versuchen, zum Beispiel Fußballtrainer werden.