Visuelle Poesie aus vertrauten Dingen – Jose Navarro im Gespräch

Q Wie bist du zu dieser Art von Arbeit gekommen?

Ich arbeite seit über 25 Jahren in der Werbung und habe parallel dazu immer meine eigene Illustrationspraxis gepflegt. Besonders begeistern mich konzeptionelle redaktionelle Illustration und visuelle Poesie, und im Laufe der Jahre habe ich persönliche Projekte in diesen Bereichen weiterentwickelt und seit etwa 2017 auf Instagram geteilt. Nach und nach hat mir das geholfen, eine stärkere Präsenz und internationale Anerkennung aufzubauen, was zu einer Reihe von redaktionellen Illustrationsaufträgen für Publikationen auf der ganzen Welt geführt hat.

Q Erzähl mir die Geschichte hinter dem Namen yuxtapoems.

Der Begriff „Yuxtapoems“ ist eine Verschmelzung der Wörter „juxtaposition“ (yuxtaposición auf Spanisch) und „poems“, geprägt, um meine Illustrationen als eine Form visueller Poesie zu definieren, in der verschiedene Objekte und Konzepte zusammengebracht werden, um unerwartete Verbindungen und Bedeutungsebenen zu schaffen. Ursprünglich entstand er als Titel einer meiner Ausstellungen, wurde dann aber zum Namen meines Instagram-Profils.

Q Ideen können in den seltsamsten Momenten auftauchen. Welcher hat dich am meisten überrumpelt?

Das ist eine schwierige Frage, denn ich folge keiner bestimmten Formel, wenn es darum geht, Ideen zu entwickeln. Was meinen kreativen Prozess jedoch immer prägt, sind tiefe Neugier und ein scharfer Beobachtungssinn. Mich hat schon immer die Semiotik fasziniert und die vielen Bedeutungsebenen, die unter Bildern und Symbolen liegen. Es macht mir besonders Freude, diese verborgenen Bedeutungen aufzudecken und die unerwarteten Verbindungen zu erkunden, die zwischen ihnen entstehen.

Q Wenn eine Idee da ist, braucht man die richtigen Teile dafür. Was machst du, wenn es sie nicht gibt?

Meine Arbeit hat fast immer ihre Wurzeln in der Fotografie, obwohl ich selbst kein Fotograf bin. Ich stelle Objekte gern sehr beschreibend und idealisiert dar, ein Ansatz, der meiner Meinung nach auf meinem Werbehintergrund beruht. Deshalb stammen die meisten Bilder, die ich als Ausgangspunkt verwende, aus der Stockfotografie. Wenn ein Projekt ein ganz bestimmtes Objekt erfordert, beauftrage ich unter Umständen einen Fotografen, es aufzunehmen, oder erstelle es in 3D. Sobald ich die Ausgangsbilder habe, bearbeite ich sie in Photoshop und verfeinere die Elemente sorgfältig, bis die endgültige Illustration Gestalt annimmt.

Q Was macht einen Alltagsgegenstand interessant genug, um in einem deiner Kunstwerke zu landen?

Jeder Gegenstand kann faszinierend werden, wenn man ihn aus seinem gewohnten Kontext löst oder aus einer anderen Perspektive betrachtet. Das eigentliche Interesse liegt für mich weniger im Gegenstand selbst, sondern darin, wie er neu gedacht und genutzt werden kann, um eine Geschichte zu erzählen, die unerwartet, überraschend oder sogar offen für eine neue Deutung ist.

Q Ist Humor für dich der Sinn eines Kunstwerks oder nur der Einstieg?

Humor ist in meiner Arbeit kein Selbstzweck, aber ich halte ihn für ein wirkungsvolles Werkzeug, um die Betrachter einzubinden und in ein Bild hineinzuziehen. Allerdings ist er nicht immer der passende Ansatz; seine Rolle hängt letztlich vom Thema und von der Geschichte ab, die ich vermitteln möchte.

Q Manche Kunstwerke sind visuell eindrucksvoll, hinterlassen aber wenig. Woran erkennst du, dass ein Werk die Idee trägt, mit der du angefangen hast?

Ich finde nicht, dass jede Illustration eine tiefere Bedeutung tragen muss. Manchmal liegt das Vergnügen einfach darin, visuelle Ideen zu erkunden, mit Ästhetik zu spielen oder mit Bildern zu experimentieren. Kunst muss nicht immer ernst, kritisch oder zum Nachdenken anregend sein; ich finde, es sollte auch Platz geben für einen verspielteren, rein visuellen Ansatz, bei dem der Prozess selbst Grund genug ist.

Wenn es darum geht zu erkennen, ob ein Werk das vermittelt, was ich beabsichtigt habe, vertraue ich meist meinem Instinkt, geleitet von meiner eigenen Erfahrung. Wenn ich aber unsicher bin, ob ein Bild missverstanden werden könnte, zeige ich es oft anderen Illustratoren oder Fachleuten, deren Urteil ich schätze und denen ich vertraue.

Q Hat eine Publikation wie Die Zeit schon einmal eine deiner Ideen abgelehnt? Glaubst du rückblickend, dass sie etwas verpasst haben, oder war es richtig, sie abzulehnen?

Redaktionelle Illustration ist in der Regel ein kollaborativer Prozess, der von den Entscheidungen eines ganzen Teams von Fachleuten geprägt ist, von Redakteuren und Creative Directors bis zu Art Directors und Illustratoren. Die Arbeit entsteht oft unter engen Deadlines, wobei mehrere Konzepte gleichzeitig entwickelt werden. Letztlich entscheidet das, was dem Artikel selbst am besten dient.

Eine Illustration muss zum Ton des Textes passen und zugleich mit der Stimme und der visuellen Identität der Publikation insgesamt im Einklang stehen. Natürlich werden manche Ideen zwangsläufig verworfen, aber ich sehe darin nichts besonders Beunruhigendes. Hinter diesen Entscheidungen steht meist eine klare Begründung, und die gewählte Richtung ist in der Regel diejenige, die dem Artikel am besten dient.

Das heißt allerdings nicht, dass es nicht auch Fälle gab, in denen eine visuell brillante Idee es nicht in die finale Auswahl geschafft hat. Andererseits bekommen manche dieser Ideen ein neues Leben, wenn man sie wieder aufgreift oder für einen anderen Artikel anpasst.

Q Du baust deine Kunstwerke Stück für Stück, während KI Kunstwerke in Sekunden erzeugen kann. Wie siehst du diese Entwicklung?

Ich glaube, diese Frage könnte leicht ein ganzes Interview für sich füllen, deshalb versuche ich, mich kurz zu fassen.

Ich glaube, die Stärke meiner Arbeit liegt in der konzeptionellen Phase, und nach meiner bisherigen Erfahrung ist KI darin nicht besonders gut. Sie tut sich noch schwer mit abstraktem Denken und mit der Art unerwarteter Verbindungen, die zu wirklich originellen Ideen führen können. Allerdings kann sie mit der richtigen Anleitung durchaus in sehr kurzer Zeit starke visuelle Ergebnisse liefern.

Ich persönlich genieße den gesamten kreativen Prozess, von der ersten Idee bis zur visuellen Umsetzung, und sehe deshalb nicht wirklich den Sinn darin, genau den Teil der Arbeit an die KI abzugeben, den ich als am erfüllendsten empfinde. Als nützliches Werkzeug sehe ich sie allerdings, um bestimmte Aufgaben zu automatisieren, etwa Fotos zu bereinigen, Auswahlen zu treffen oder visuelle Unvollkommenheiten zu korrigieren, wo sie wirklich Zeit sparen kann.

Schließlich gibt es noch die ethischen Bedenken rund um die Verwendung urheberrechtlich geschützter Werke zum Training von KI-Modellen sowie den enormen Energieverbrauch der Rechenzentren, die sie antreiben. Ehrlich gesagt ist das der Aspekt von KI, der mich am meisten beunruhigt.

Q Gibt es eine Idee, die du gern verwirklichen würdest, aber noch nicht hast? Worum geht es dabei?

Ich hätte gern die Zeit und das Budget, einige meiner Arbeiten in großformatige Skulpturen zu verwandeln. Das ist ein Projekt, das ich schon eine Weile in Erwägung ziehe, auch wenn ich es noch nicht umsetzen konnte. Ich denke, es wäre eine faszinierende Richtung, die es zu erkunden gilt.